Mondo Bizarre Magazine: June 2018


		© Guilherme Lucas - Francisco Oliveira

words. Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas

1 - Francisco Oliveira – I appreciated the conceptual approach with which this musician from Porto (also Terebentina‘s guitarist,) approached his concert. Retorting to cassettes with pre-recorded track(s) (at times in reverse), the musician, almost always within an apparent free experimentation and modulated sound acoustics register, managed, in many moments of his performance to execute (or create) imminently chaotic, but equally attractive sound textures within the context in which they were unfolding. I would say that, to a large extent, Francisco Oliveira's sonic / experimental stance is eminently “rock'n'roll"; it derives in many quarters from Glenn Branca’s fundamental heritage through Sonic Youth re-adapted to the young musician’s taste and effort of constructing a personalized sound speech. The manipulation techniques of functional objects adapted to the electric guitar, to assist its reinterpretation, as well as its enormous potential when distorted, highlight it as a resource previously "discovered" by other musicians and bands of past avant-gardes.

However the musician’s work/performance doesn’t reduce itself to my initial point of view. Even because listening to his work on Holoscene 85 '(the name of his solo project), one easily perceives that a whole culture of influences far more wide than those already pointed live there. There is notoriously a taste of pop-rock bands and projects of the last decades that I consider influential, and that is, somehow, processed and re-adapted to Francisco Oliveira‘s experimental building discourse. If this multidisciplinary musician/artist still shows some connection to influences and forms of interpretation that can be /seem obvious. There already can be found many clues in his performances and there are very good sensations coming from someone that is starting to gave his own style and unique speech.

I found this concert almost always within two constant discourses, between the chaos of experimental distortion and the environmental background. There were times when both collided, and others where each of them had its own defined space, without conflict. I assume that, with time and live sharpening, this last path will prevail. To simplify my discourse and my thinking, I would say that what remains to be determined in this project are the guitar "arrangements", since the compositional and aesthetic structure seems to me already well achieved and defined.

2- Filipe Felizardo – If I used an analogy with "rock'n'roll" to simplify the understanding Francisco Oliveira’s for Felipe Felizardo I will use "blues" as an analogy. This experimental musician from Lisboa has an action field that I consider risky, but equally challenging. Resorting solely to the distorted sound of the electric guitar, without any base or background support, Filipe Felizardo builds compositional movements between the chaos originated between the distorted feedback and the manipulation of the electric guitar effects pedal, working in the moment the chance of silences and of other sounds that occur from the way one plays/manipulate the guitar. For me there is an intrinsic connection to the blues in an experimental way and during his performance the image of Marc Ribot’s experimental work assaulted me permanently. Not that Filipe Felizardo might have an obvious direct link to Marc Ribot, but the approach he promotes is conventionally attractive for my subconscious to have related this reference.

Many times his sound slides into drone territory, resembling Sunn O)), and there are moments when the extremely loud and violent sound of his distorted guitar tortured us relentlessly only to, at once, get us back to more delicate ambiente outline sound textures. I will say that Filipe Felizardo has, from what he has shown, a practically unique field to progress. Not being my aim to predict the future in a field as fragile as experimental underground music, I am left curious to imagine how this musician can develop within his sound concept, because it is a difficult road, but, as I said before, challenging and interesting.

3 - GATE - (Michael Morley) – New Zealander Michael Morley, guitarist and lead singer of the mythical The Dead C, quite an influential noise rock avant-garde band from the late 80s to nowadays, within free improvisation experimental music narrow world, offered a very good concert with Gate, his personal project.

Continuing to resort to clarifying analogies, I will say that if before we had "rock'n'roll" with Francisco Oliveira and "blues" with Filipe Felizardo, with Michael Morley we had a dense and obscure symphony directed by an excellent conductor of rock experimental drone and noise. It is notorious, even evident, how this musician masterfully masters what, supposedly, is not manageable. Even when he turns to the declamation with his distressing, whispering or higher voice; a voice that is anything but captivating by common aesthetic standards, makes this customized connection work and in line with the ambient sound textures it builds.

Gate’s music acquires a greater sensory experience when we listen to it with closed eyes, centered solely on the sound (something, I think is recurrent to all experimental music), abstracted from the distracting movements offered by the manipulation of his guitar and laptop. When we attend a concert of a noise experimentalism living legend of, as in this case, we understand more clearly what years of endurance and improvement means within a style that is difficult to understand by most music lovers, but that shows us it is a very specific way that it is always possible to make compositional sounds and structures completely abstracted from the platitudes of formatted mass music. Without ever making a classic rock solo, without ever using a specific melody or harmony, Michaek Morley manages to do them all within his own aesthetic language, eventually using the same rules as others, but always adapted to his speech … showing that sound possibilities are endless.

The conviction that one can also make a long career within a very restricted landscape and world, offering quality and a very personalized sound diversity (because the musician's work is anything but restricted to only one type of sound) is, possibly, the most important idea I have kept from his concert.

texto e fotos: Guilherme Lucas

1 - Francisco Oliveira – Apreciei a abordagem conceptual com que este músico portuense (também guitarrista na banda Terebentina), abordou o seu concerto. Recorrendo a k7’s com(o) faixa(s) pré-gravada(s) (em algumas situações em reverse), o músico, quase sempre dentro de um registo de aparente experimentação livre e de acasos sonoros modulados, conseguiu, em muitos momentos da sua performance, realizar (ou criar) texturas sonoras iminentemente caóticas mas igualmente atraentes no contexto em que as mesmas iam progredindo. Diria que, em grande medida, a postura sónica/experimental de Francisco Oliveira é eminentemente “rock’n’roll”; deriva em muitos quadrantes da herança fundamental de um Glenn Branca por via de uns Sonic Youth readaptados ao gosto e na aposta do jovem músico em construir um discurso sonoro personalizado. As técnicas de manipulação com objetos de funcionalidade adaptada à guitarra elétrica, no sentido de auxiliar na reinterpretação da mesma, bem como das suas enormes potencialidades quando em distorção, evidenciam isso no sentido de um recurso já “descoberto” por outros músicos e bandas de vanguardas experimentais do passado.

No entanto o trabalho/performance do músico não se reduz só a este meu ponto de vista inicial. Até porque escutando o seu trabalho em Holoscene 85'(o nome do seu projeto a solo), facilmente se percebe que já reside lá toda uma cultura de influências muito mais abrangente do que aquelas que apontei. Há notoriamente um gosto que considero influente por via de algumas bandas/projetos pop/rock importantes e interessantes das últimas décadas, e que é - de alguma forma - trabalhado e readaptado ao discurso experimental que Francisco Oliveira está a construir. Se este músico/artista multidisciplinar ainda evidencia alguma ligação a influências e formas de interpretação que podem ser/parecer óbvias, também já se encontra em muitos momentos da sua atuação pistas e muito boas sensações de quem já começa igualmente a possuir uma forma própria e um discurso singular. Achei este seu concerto quase sempre dentro de dois discursos constantes, entre o caos da distorção experimental e o do fundo ambiental. Houve momentos em que ambos colidiram, e outros em que cada um deles teve o seu próprio espaço definido, sem conflito. Presumo que, com o tempo e o apuro ao vivo deste projeto, venha a ser este último caminho o mais prevalente. Para simplificar o meu discurso e o meu pensamento, diria que o que falta apurar neste projeto são os “arranjos” de guitarra, já que a estrutura composicional e estética parece-me já bem conseguida e definida

2- Filipe Felizardo - Se usei uma analogia com o “rock’n’roll” para simplificar o entendimento sobre a atuação de Francisco Oliveira, para Filipe Felizardo usarei a analogia do “blues”. Este músico experimental lisboeta tem um campo de ação que considero arriscado mas igualmente desafiador. Recorrendo unicamente ao som distorcido da guitarra elétrica, sem qualquer apoio de base ou fundo, Filipe Felizardo constrói andamentos composicionais entre o caos originado entre o feedback distorcido e a manipulação do pedal de efeitos da guitarra elétrica, trabalhando no momento o acaso dos silêncios e de outros sons que ocorrem da forma como toca/manipula a sua guitarra. Há, para mim, uma intrínseca ligação ao blues de uma forma experimental e durante a sua prestação a imagem de um Marc Ribot assaltou-me permanentemente no que também ele tem de experimental na sua obra. Não que Filipe Felizardo possa ter uma uma óbvia ligação direta com Marc Ribot, mas a abordagem que promove é concetualmente atraente para o meu subconsciente ter relacionado esta referência.

Em muitos momentos o seu som resvala para o drone, lembrando uns Sunn O))), e não são poucos os momentos em que o som extremamente violento e alto da sua guitarra distorcida tortura-nos implacavelmente os sentidos para nos remeter de imediato para outras texturas sonoras mais delicadas e de perfil ambiental. Direi que Filipe Felizardo tem, pelo que demonstrou, um campo praticamente único para progredir e não estando nos meus propósitos fazer futurologia num campo tão frágil como é a música underground e de teor experimental, fico com a curiosidade de imaginar como este músico pode evoluir dentro deste seu conceito sonoro, porque é caminho difícil, mas como disse antes, desafiador e interessante.

3 - GATE - (Michael Morley) – o neozelandês Michael Morley, guitarrista e vocalista dos míticos The Dead C, uma banda de noise rock avant-garde, bastante influente, desde os finais dos anos 80 até à atualidade, dentro do restrito meio da música experimental de livre improvisação, ofereceu um muito bom concerto com o seu projeto pessoal Gate.

Continuando a recorrer a analogias elucidativas, direi que se tivemos antes “rock’n’roll” com Francisco Oliveira e “blues” com Filipe Felizardo, com Michael Morley tivemos uma densa e obscura sinfonia dirigida por um excelente maestro do drone e do noise rock experimental. É notória, evidente até, a forma como este músico domina com mestria o que não é, à partida, dominável. Mesmo quando recorre à declamação com a sua voz angustiante, em sussurro ou mais elevada; uma voz que é tudo menos cativante pelos padrões estéticos comuns, faz com que essa ligação funcione personalizada e em consonância com as texturas sonoras ambientais que vai construindo.

A música de Gate adquire uma experiência sensorial maior quando a escutamos de olhos fechados, centrados unicamente no som (é algo, acho, recorrente para toda a música experimental), abstraídos dos movimentos de distração que a manipulação da sua guitarra e laptop oferecem. Quando assistimos a um concerto de uma lenda viva do experimentalismo noise, como é o caso, entendemos mais claramente o que significam anos de endurance e de aprimoramento dentro de um estilo que é de difícil compreensão pela maior parte dos melómanos, mas que nos demonstra de forma muito concreta que é possível sempre fazer sons e estruturas composicionais completamente abstraídas dos lugares comuns formatados da música de massas. Sem nunca fazer um solo clássico de rock, sem nunca usar uma melodia ou harmonia concreta, Michaek Morley consegue fazer todas elas dentro da sua própria linguagem estética, eventualmente usando as mesmas regras que os outros, mas sempre adaptadas ao seu discurso…demonstrando que as possibilidades sonoras são inesgotáveis.

A convicção de que se pode também fazer uma longa carreira dentro de um panorama e de um meio muito restrito, oferecendo qualidade e uma diversidade sonora muito personalizada (porque o trabalho do músico é tudo menos taxativo com um só tipo de som), é, eventualmente, a mais importante ideia que retive do seu concerto.