Thursday 29 November 2018

The Velvet Underground Played at My High School, Anthony Jannelli, Robert Pietri, 2018, US, 7 + Showcase Little Friend’ – Porto/Post/Doc – Transmission, 10pm - Passos Manuel, Porto, 26.11.2018. - Part 2.



The Velvet Underground Played at My High School, Anthony Jannelli, Robert Pietri, 2018, US, 7 + Showcase Little Friend’ – Porto/Post/Doc – Transmission, 10pm - Passos Manuel, Porto, 26.11.2018. - Part 2.
words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Raquel Pinheiro
I was very pleased with Little Friend ‘s showcase by musician John Almeida, who started his performance after The Velvet Underground Played at My High School’s screening.
On a simple and very intimate setting with only the necessary stage lights to lit the musician's position by the microphone's tripod, under Passos Manuel’s screen majestically projecting one of the most sombre and intense scenes from Velvet Underground’s animated film, John Almeida revisited his first album (2013) called We Will Destroy Each Other, while also presenting some new songs that will feature on his second album, to be released early 2019, titled A Substitute For Sadness.
It was the first time I saw him live. I went to the concert with an idea of his work only formed by listening to his two albums, which I managed to have previous access.
John Almeida is a great songs composer.  That is immediately perceived in listening to his themes. He is a musician with a rock matrix, but who channels it to perform pop songs. Something he does with undeniable distinction. There is a meticulous care in the arrangements and in the various emotional intensities offered by his music that brings us back to the idea of ​​someone who works intensively on his themes so that his feelings and message are transmitted with touching sensitivity. Although he makes pop songs, they are not "catchy", easy to absorb songs; the musician is a subtle arranger and his songs exhibit pop class, without vulgarity or for the masses. In addition to recognizing a mix between The Beatles, The Velvet Underground and Radiohead on parts of their sound, I cannot find other, more palpable references (which I’m sure they will have for other listeners), perhaps because the timbre of his voice is not very obvious to me (at least the way I listen to it). It's more an asset of his own. He showed it in the way he performed. Using only his great voice, a great capacity to make huge and irresistible choruses, and an acoustic or an electric guitar to accompany (except for one theme, Singing In My Sleep, which featured a friend on keyboards), it was by choosing this format, stripped of all arrangements inherent in a band, and that his albums reproduce, that captivated me a lot.  Surprised me even, because they reaffirmed my conviction that great songs, when they are unbelievably good and beautiful suffice itself in their simplicity.
Possibly, the next time I’ll him live he will be with his band, and, maybe, everything will be closer to his recordings, each of the themes acquiring a different dimension than the one played this time. I found his entire solo performance excellent, an urban troubadour. That's enough for my future memories of Little Friend. It was a magnificent evening.



texto: Guilherme Lucas; fotos: Raquel Pinheiro

The Velvet Underground Played at My High School + Showcase Little Friend at Porto Post Doc - Caíu-me mesmo bem este showcase de Little Friend, do músico John Almeida, que deu início à sua atuação, terminada a projeção da curta The Velvet Underground Played at My High School.

Sobre um cenário simples e bastante intimista, com as luzes de palco apenas necessárias para iluminar a posição do músico junto ao tripé do microfone, e onde no ecrã de cinema do Passos Manuel se projetava majestosamente uma das cenas mais sombrias e intensas da animação da curta dos The Velvet Underground, John Almeida revisitou, em muitas ocasiões do seu espetáculo, o seu primeiro álbum de 2013, de nome We Will Destroy Each Other, como foi também apresentando alguns novos temas que farão parte do seu segundo álbum, a ser editado no início de 2019, e cujo nome será A Substitute For Sadness.

Foi a primeira vez que vi o músico ao vivo. Ia para este concerto com uma ideia do seu trabalho, unicamente fruto da minha escuta dos seus dois álbuns, a que consegui ter prévio acesso.

John Almeida é um grande compositor de canções, isso é o que se percebe de imediato na escuta dos seus temas. É um músico que tem uma matriz rock, mas que canaliza a mesma para realizar canções pop. E é algo que faz com distinção inegável. Há um cuidado meticuloso nos arranjos e nas várias intensidades emocionais que a sua música nos oferece que nos remete para a ideia de alguém que trabalha intensamente os seus temas de forma a que os seus sentimentos e a sua mensagem sejam transmitidos com uma sensibilidade tocante. Embora faça canções pop, direi que não são canções “orelhudas” das mais fáceis de absorver; o músico é um arranjador subtil e as suas canções exibem classe pop, sem vulgaridade e para as massas. E para além de reconhecer um misto entre The Beatles, The Velvet Underground e Radiohead em coisas do seu som, não consigo, além destes, encontrar outras referências mais palpáveis (que certamente terá para outros ouvintes), talvez porque o timbre da sua voz não seja para mim muito óbvio (pelo menos da forma como a escuto). É mais um trunfo seu. Demonstrou isso mesmo, da forma como atuou. Usando apenas a sua grande voz, e uma capacidade enorme para fazer coros imensos e irresistíveis, e uma guitarra acústica ou uma elétrica para acompanhar (à exceção de um tema, Singing In My Sleep, em que contou com a participação nas teclas de um músico amigo), foi pela escolha deste formato, despido de todos os arranjos inerentes a uma banda, e que os seus discos plasmam, que me cativou bastante, e até me surpreendeu, pois reafirmou a minha convicção de que as grandes canções bastam-se a si mesmas na sua simplicidade, quando são indesmentivelmente boas e belas.

Possivelmente da próxima vez que o for ver ao vivo vai ser com a sua banda e eventualmente tudo será mais próximo aos seus trabalhos discográficos, adquirindo cada um dos temas uma dimensão diferente daquela que interpretou desta vez. Por mim, achei excelente toda esta sua atuação a solo, qual trovador urbano. Basta-me esta para as minhas memórias futuras sobre Little Friend. Foi um serão magnífico.




The Velvet Underground Played at My High School, Anthony Jannelli, Robert Pietri, 2018, US, 7 + Showcase Little Friend’ – Porto/Post/Doc – Transmission, 10pm - Passos Manuel, Porto, 26.11.2018. - Part 1 - The Velvet Underground Played at My High School


words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro); photos: Guilherme Lucas

Last Monday’s Porto / Post / Doc session at Passos Manuel promised a good music performance. That was what nicely happened with two good surprises. One of them was the screening of a short film about The Velvet Underground, a showcase by Little Friend, musician John Almeida’s project. Dario Oliveira, the festival’s director, gave a short speech to the audience about each topic, repeating the idea that, throughout its existence, the festival was always imbued with rock'n'roll’s spirit and that it always had a place in its heart with films or concerts. 

The Velvet Underground Played at My High School is a seven-minutes animated short-story directed by Tony Jannelli and Robert Pietri in 2018. It results from a crowdfunding campaign.

On December 12, 1965, The Velvet Underground performed at Summit High School’s party on the outskirts of New Jersey, NY, before an audience of teen student shocked by their sound. It was the band’s first concert and there ia no photographic, film or audio record. They performed for twenty minutes, playing There She Goes, Venus In Furs and Heroin, while more than half the audience (who had come to see the main act, Myddle Class, a garage rock band) leaves the room, confused and outraged with what they were listening to.

Anthony Jannelli, one of the students who remained in the room until the end of the short show, tells us the story in this short film. Afterwards, he was never the same. The concert changed his life. Until then, Jannelli was a teenager very interested in rock music and an avid vinyl buyer. He was a teenager who inbued with rock'n'roll culture. This proviso helps to better understand what follows.
Jannelli's voice-over narration of what happened by then is as dramatic as it is amusing. The hilarious description of the kind of sound he was hearing for the first time, he did not know how to classify it, such luminous revelation, between "noise was so much that it seemed that they were killing a cat," or "seeing a drummer playing standing, not knowing if it was a man or a woman ... I had never seen anything like it, drummers always play seated”, or "I was listening to a song that spoke of domination and sado-masochism, I could not believe my ears and was imagining myself in one of those situations."

After the concert, questioning his colleagues about what had happened, Jannelli internalizes that the moment will be decisive to his entire life, since he had irrevocably changed his perception of reality, the meaning of art ... and of rock ' n'roll. He realized that the way he absorbed the difference in sound and The Velvet Underground’s obscure performance in a magical and yielded fashion made him unlike most of his classmates who only saw the band’s noise and nonsense, something extremely unpleasant.

In such regard this short film ends with a flourish in its reflexive synthesis, in Jannelli's words, sums up the soothing idea that the underground always finds us (to those who passionately seek it avidly and are sensitive to the aesthetic ruptures that it always foster). As much as we look for it in our daily lives, the underground will always comes to, and surprises us when we least expect it, sometimes disguised as a band, sometimes as a book, poem, film or painting ... and saves us.

The duality between the meaning of the underground and the name of the band - The Velvet Underground – is, in this case, a lucky encounter or chance (pick the meaning you want), since this is the band that invented what we now, generically, call underground music; that all types of music that eludes the conventional parameters and that promotes new aesthetic directions. It can also be called avant-garde, a more classic designation.

This is an animation with a good graphic design, a good script, short, precise, and very effective in terms of storytelling in connection with of The Velvet Underground’s sound. I found this short-animation very good; in seven minutes condenses and explains in a simple way the true meaning of underground music. To that extent, it provides a timeless explanation, not limited to music alone.

I wonder if those who do not enjoy music or who are not connected to underground matters can find in this film something greater than just a good animation. Because it is always a matter of sensibilities, like the student who stayed until the end of the concert, when all the others left in stampede.





texto e fotos: Guilherme Lucas

A sessão da noite da passada segunda-feira do Porto/Post/Doc, no Passos Manuel, prometia um serão de boa música. E foi isso que ocorreu, de forma bem agradável e com duas boas surpresas. Uma delas era a exibição de uma curta-metragem sobre os The Velvet Underground e a outra de um showcase de Little Friend, um projeto do músico John Almeida. Dario Oliveira, diretor do festival, fez uma breve alocução ao auditório sobre cada um destes tópicos, renovando a ideia de que o festival é, todo ele, imbuído do espírito rock’n’roll e que este sempre teve um espaço reservado, tanto a nível de filmes como de concertos ao vivo, ao longo da sua existência. Confirmo. Passou-se à projeção da curta-metragem.

The Velvet Underground Played at My High School é uma curta-metragem de animação narrada, de apenas sete minutos de duração, realizada em 2018, nos EUA, pela dupla Tony Jannelli e Robert Pietri. É fruto de uma campanha de crowdfunding.

No dia 12 de Dezembro de 1965, os The Velvet Underground atuam numa festa de uma escola secundária (Summit High School), na periferia de New Jersey, NY, para uma audiência de estudantes adolescentes chocada com o seu som, naquele que é o primeiro concerto da banda, e do qual não há nenhum registo fotográfico, em película ou áudio. Estão em palco durante vinte minutos, tocando os temas There She Goes, Venus In Furs e Heroin, à medida que mais de metade da audiência (que tinha ido para ver a banda principal, os Myddle Class, um grupo de garage rock), abandona a sala, confusa e indignada, com o que estava a escutar.

Este acontecimento é-nos relatado, através desta curta, por um dos seus participantes (e também realizador), Anthony Jannelli, um dos estudantes que permaneceu na sala até ao final desse curto espetáculo. E que nunca mais foi o mesmo depois desse concerto, que mudou a sua vida. Jannelli era, até àquele momento, um adolescente muito interessado em música rock e ávido comprador de vinil. Ou seja, era um adolescente que tinha cultura rock’n’roll. Esta ressalva que faço aqui, ajuda a compreender melhor o que vem a seguir.

A narração em voz-off de Jannelli do que ocorreu é tão dramática quanto divertida sobre esse momento. A descrição hilariante dos pormenores sobre o tipo de som que estava a ouvir pela primeira vez, e que não sabia como classificar, qual revelação luminosa, entre um “o ruído era tal que parecia que estavam a matar um gato”, ou “nunca tinha visto um baterista a tocar de pé, não percebia se o baterista era um homem ou mulher… nunca tinha visto nada assim, os bateristas sempre tocam sentados”, ou ainda “ estava a escutar uma música que falava de dominação e sado-masoquismo, eu não estava a acreditar no que estava a ouvir e estava a imaginar-me numa daquelas situações”.
É, após esse concerto, que Jannelli, questionando os outros colegas sobre o que tinha acontecido, interioriza, que aquele momento será determinante para toda a sua vida, pois mudara irremediavelmente a sua percepção da realidade, do significado de arte… e do rock’n’roll. Percebeu que a forma como absorvera a diferença do som, e da atuação obscura dos The Velvet Underground, de forma mágica e rendida, o fazia diferente da maioria dos seus colegas, que só viram na banda ruído e non-sense, algo extremamente desagradável.

É neste aspeto que esta curta-metragem termina com chave-de-ouro na sua síntese reflexiva e que se resume, nas palavras de Jannelli, à reconfortante ideia de que o underground sempre nos encontra (a quem o procura apaixonadamente, de forma ávida, e é sensível às rupturas estéticas que este sempre promove). Por mais que o procuremos no dia-a-dia, o underground sempre nos visita e nos surpreende, quando menos o esperamos, por vezes disfarçado de banda, outras vezes de livro, de poema, filme ou pintura… e nos salva.

A dualidade entre o significado de underground com o nome da banda The Velvet Underground é neste caso um feliz encontro ou acaso (entenda-se como se quiser), já que esta é a banda que inventou o que hoje denominamos em termos generalistas de música underground; ou seja todo o tipo de música que foge aos parâmetros convencionais e que promove novas direções estéticas. Pode-se também denominar de vanguarda, que é uma designação mais clássica.
Esta é uma animação, com bons desenhos em termos gráficos, com um bom guião, curto e preciso, e muito eficaz em termos de narração com a sua ligação ao som dos The Velvet Underground. Achei esta curta-animação muito boa; em sete minutos condensa e explica de forma simples o verdadeiro significado do que é a música underground. Fornece, nessa medida, uma explicação intemporal, e que não se limita só à música.

Pergunto-me é, se quem não aprecia música ou que até não esteja ligado a estas matérias do underground, consegue encontrar nesta película algo maior do que apenas uma boa animação. Porque esta é sempre uma questão de sensibilidades, como o aluno que ficou até ao fim do concerto, e todos os outros que saíram em debandada.

Sarapanta- Chasing the Northern Lights, Cristiano Saturno, 2018, PT/CA/US, 44’ – Porto/Post/Doc – Special Sessions – Auditório planetariodoporto ,10pm, Porto, 27.11.2018. The film will be shown again Sunday 2, 5pm at Passos Manuel, Porto.



words: Raquel Pinheiro


What a wonder to watch Sarapanta reclined on a chair in Porto’s Planetarium, staring at the sky.

Sarapanta is the debut film of novel Portuguese director Cristiano Saturno. Criatiano currently lives in Canada, but spend 44 days in Alaska hunting Aurora Borealis.

There are no technical or scientific explanations about The Aurora Borealis in Sarapanta. The low budget, almost totally self-made film aim is to show us, drag us in would be more precise, into the poetry, dream, magic and astonishment of the extraordinary Northern Lights. And it manages it with flying colours.

In Alaska Criatiano meet several villagers as well as fellow Aurora Borealis chasers, like Jean-Christian Dupré a Frenchman who become his travel and waiting companion for many nights and miles.

Waiting is an essential part of hunting The Northern Lights. In grand white wilderness patience is not only a virtue, but a necessity. The Aurora Borealis is fickle. It may show, it may not – there is a natural phenomenon involved, but let’s leave it to National Geographic.

Anyone who has ever dreamed with the Great North will be delighted by Sarapanta’s simpleness, heart, tenderness, frost landscapes and beautiful dancing greenish lights. And with the beautiful, tiny wood house with windows lit in red, orange and green.  

And, of course, there are the Lights. Those unique Lights. The only reason Sarapanta exists. They are amazing. Seen in a semi-dome (the film is not made for full-dome) in the Planetarium makes the experience almost real. One feels inside the movie, and can almost touch the shinning, passing, dancing Aurora Borealis.

More than once, someone mentions that The Aurora Borealis is like a Picasso painted in the sky. To me, it is more like Van Gogh or Pollock. But, the image is clear, it is like a marvellous painting. A masterpiece.

Sarapanta also offers a view into the life of both the villagers who adore The Aurora Borealis and the Aurora hunters. For the hunters, life is harder. Especially if they come from a tiny, Southern European country and have to adjust to the wideness, the challanges of being surrounded by snow and ice, but also the fun of it. It seems very, very cool to go outside, pick a chunk of ice with a pan, boil it on the stove and wash the dishes with the liquid result.
  
Hunting The Aurora also involves sleepless nights, wandering around using a balaclava with a torch attached to it, frustration, almost reaching insanity for lack of sleep and isolation and knowing that YouTube is not the solution to life’s magic. Or problems. Get out there and go find the path.

Sarapanta was such a smash hit – a sold out room and people wanting to buy long gone tickets - that it got an extra session in the festival.

Its only downside? Dear Cristiano, the sky is not sad in Portugal. It is magnificent. At least for a stargazer like myself.

Wednesday 28 November 2018

O Chico Fininho, Sérgio Fernandes, 1982, PT, 87’ – Porto/Post/Doc – Cinema Falado, 6:30pm – Pequeno Auditório, Rivoli, Porto, 25.11.2018.



O Chico Fininho, Sérgio Fernandes, 1982, PT, 87’ – Porto/Post/Doc – Cinema Falado, 6:30pm – Pequeno Auditório, Rivoli, Porto, 25.11.2018.

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro; proofread by Tommy Luther); photos Guilherme Lucas
Chico Fininho, directed in 1981 by Sérgio Fernandes was screened, last Sunday, at Rivoli’s Pequeno Auditório, as part of Porto/ Post / Doc film festival that is currently taking place in town.
Dario Oliveira, the festivals director, accompanied by the Porto-born director, presented the film to the audience, highlighting how relevant the event was because of the meaningfulness of Sérgio Fernandes’ filmography for Porto, since it enhances the city in all of its features. In Sério Fernandes works, Porto is always filmed out of his unconditional love for the city. The director reinforced this in his brief introduction, considering Chico Fininho as one more among his filmography not seeing it as particularly special, but always disclosing some details about its making. The extreme care with the dialogues, with the soundtrack, the first film role of actor Vítor Norte as Chico Fininho and the first time a steadycam was used in the history of Portuguese cinema, and, above all, a will to break with the by-then existing practices of a more conservative and conventional film making. He also pointed out an episode from when the film was shown in Spain, in which the bands and songs that are the films signature, were commented on, with great surprise, by many Spaniards. They were completely unaware of the goods already being made in Portugal (we are exclusively speaking about the so-called Portuguese rock period). Sérgio Fernandes thanked Dario Oliveira from the heart for the courage to show his film at the festival since it was never an easy one or for the masses. Its screening has even been boycotted in Porto and the critics failed to realize the essence of what it symbolized, mentioning the fact that it apparently did not have a script or a specific story. Dario Oliveira promised to screen more of the directors films in the festival in the coming years. The screening ensued.
Chico Fininho’s story in its core script is easy to tell: the action of the film happens during a weekend in Porto (it is up to the viewer to decide if on a Friday, or a Saturday since it ends in a night trip to the no longer existing nightclub Iodo on Francelosbeach, a few kilometers from Porto) during which a group of seven friends, all of them freaks, end up walking around several parts of Porto. One of them is Chico Fininho, unemployed and living in Cantareira, who assumes the duality of existing in the reality of the film, since he is a mix of the character from Rui Velosos famous song which triggered the whole Portuguese rock movement in the early 80s. During this wandering around the city they drink, smoke hashish and take pills, trying to escape from anything that might have costs, like paying the tram ticket, always unsuccessfully. They go from their regular café, to Molhe, to a rehearsal room near Costa Cabral belonging to Os Cosméticos, a garage band, until the trip to Iodo discotheque. The film ends with Chico Fininho lying on the disco dance floor and with the group's return, on foot, to Porto, staggering, hungover and with some of them throwing up by the roadside. The road on which they walk has no future.
It is more than obvious that all this apparent nonsense for which the film was heavily criticized and sentenced to the galleys on its debut, and unfortunately lasting until today, drifts by its subject, completely made of rock'n'roll culture, drugs and alienation and of an aesthetic rupture with cinematographical standards.
The film has enormous symbolism, although without poetry; naively raw. In its wholeness an ode to a dark and obscure 1980s Porto. The seven freaks represent the eternal adolescent pursuit of freedom at any price, anxiously and excessively facing a conservative, bourgeois and castrating society. This was also Sério Fernandes’ quest, which, through the film itself, fulfils his own creative freedom, breaking away from his past of enormous financial success as an advertising films director. The seven freaks do not see themselves in Portos cultural traditions, they adopt rock and marginality as their culture and meaning of life. Political parties do not enter their agendas. Chico Fininho does not like Tripas à Moda do Porto (Tripe á lá Porto) and football means nothing to him, he replies in an interview to journalist, Luis Pereira de Sousa, whilst walking on Rua de Santa Catarina, that He does not have money, but this is not an impediment to live his daily life, even if, through alienation and with the help of his friends or their "schemes." If this is not an affirmation of rebellion in the post-25th of April, find a better one.
The film is fully musical, with some of the most successful bands of the time, Taxi, Rui Veloso Oficial, or Salada de Frutas, others not so much (Pizo Lizo or Tantra) even leaving space for a garage band in search of luck, through which they gain a perception of the musical distance required in order to acquire the competence of the more accomplished and famous bands.  Some of the songs fully embody many of the characters actions ... as in the case of UHFs Cavalos de Corrida, during the frantic dance on Iodo’s dance floor, where Chico Fininho, along with the rest of the group, "burst", after lots of alcohol and speed.
Iodo discotheque is emblematic in every way, because in an atmosphere of relaxation and general amusement, two Portos come together; the moneyed man who drinks champagne, and the moneyless one who drinks beer and immediately tries to alienate himself, taking speed offered by the dealer. The dance represents the fury of living desperately and in fury until nothing else exists and existential pain disappears.
Chico Fininho is a rock'n'roll movie about Porto which urgently yearns to be reclaimed by the new generations interested in this type of culture. Seeing as it has now been 37 years since it’s production, it is now possible to analyze the entire themes of the film with a certain enlightenment, and without major disruptions. The film is undoubtedly a rock'n'roll gem of Portuguese filmography, and, therefore must be cherished. It reveals to us a Porto that no longer exists - the completely pitted streets, the trams, a nation hesitant between returning to 24th April and the beckoning of EECs Europe, Shopping Center Brasilia - which was the pride of the city. I even recognized the bus conductor in the movie, to whom myself and a few others, on several occasions, also acted sheepishly, when returning from high school, in order to avoid paying the fare. It is a film which appeals to our collective memory with some nostalgia for those who lived the 80s as a teenager. This was a film that I had been trying to watch for at least 25 years. I never managed to (not even on the internet), which certainly sharpened my interest, seeing as it was (almost) inaccessible.

Thanks to Porto / Post / Doc that mission was finally fulfilled. Another glorious entry (the glorious is to Porto) added to my journey on the long road of rock'n'roll.



texto e fotos: Guilherme Lucas

O filme O Chico Fininho, realizado em 1981 por Sério Fernandes, foi exibido em película, no passado domingo, no Pequeno Auditório do Rivoli Teatro Municipal no âmbito do festival de cinema Porto/Post/Doc, a decorrer na cidade.
O diretor do festival, Dario Oliveira, acompanhado pelo realizador portuense, fez a apresentação do filme ao auditório, destacando a importância do evento, pela importância da cinematografia de Sério Fernandes para a Invicta, já que a mesma enaltece a cidade em todas as suas vertentes. Sério Fernandes sempre filmou o Porto em todas as suas obras, pelo seu amor incondicional à mesma. Isso mesmo reforçou o realizador na sua breve intervenção. Considerando o seu O Chico Fininho como mais um, entre os vários da sua filmografia, não o conotando como especial, sempre foi revelando alguns dos pormenores da sua realização. O cuidado extremo com os diálogos, a banda sonora do filme, o primeiro papel em cinema do ator Vítor Norte no papel de Chico Fininho, e o uso pela primeira vez na história do cinema português de uma steadycam, e acima de tudo por uma vontade de ruptura com as práticas vigentes, à época, na cinematografia mais conservadora e convencional. Apontou também um episódio em Espanha, aquando da exibição do filme, em que foi comentada, com enorme surpresa por parte de muitos dos nuestros hermanos sobre as bandas e os temas que assinam o filme. Estes desconheciam, por completo, as coisas boas que já se iam fazendo em Portugal (estamos a falar exclusivamente do período do denominado rock português). Sério Fernandes agradeceu sentidamente a Dario Oliveira pela coragem de exibir o seu filme no festival, já que nunca foi um filme fácil e para as massas, inclusive foi boicotada a sua exibição no Porto e a crítica jornalística não percebeu o essencial do que este simbolizava, remetendo-se ao facto de aparentemente não ter um guião ou uma história concreta. Dario Oliveira prometeu nos próximos anos a exibição de mais filmes do realizador no festival. Passou-se à projeção.
A história de O Chico Fininho é fácil de contar no essencial do seu pretenso guião: a ação do filme passa-se num fim de semana no Porto (é escolher se é numa sexta ou num sábado, pois o final do mesmo termina numa ida noturna à extinta discoteca Iodo, na praia de Francelos, a poucos quilómetros do Porto), onde um grupo de sete amigos, todos freaks, percorre vários pontos da Invicta. Um deles é o Chico Fininho, desempregado e que mora na Cantareira, e que assume a dualidade de existir na realidade do filme, sendo um misto do personagem da famosa canção de Rui Veloso, que despoletou todo o movimento do rock português no início dos anos 80. Nesta deambulação pela cidade, onde vão bebendo, fumando haxixe e tomando comprimidos, tentando escapar a tudo o que possa oferecer custos, como pagar o bilhete do elétrico, mas sempre sem sucesso, vão desde o poiso do café habitual, ao Molhe, à sala de ensaios, para os lados de Costa Cabral, de uma banda de garagem, Os Cosméticos, até à ida à discoteca Iodo. O filme acaba com o Chico Fininho caído na pista de dança da discoteca e no regresso do grupo, a pé, para o Porto, cambaleantes, ressacados e com alguns a vomitarem junto à berma. A estrada em que caminham não tem futuro.
É mais do que óbvio que todo este aparente non-sense, pelo qual o filme foi muito criticado e condenado às galés na sua estreia, e infelizmente até hoje, deriva pela temática do filme, que é completamente de cultura rock’n’roll, de drogas e alienação e de rutura estética com cânones cinematográficos.
O filme é de um enorme simbolismo, embora sem poesia; ingenuamente cru. É todo ele uma ode a um Porto marginal e obscuro dos anos 80. Os sete freaks representam a eterna busca adolescente da liberdade a qualquer preço, de forma ansiosa e excessiva, perante uma sociedade conservadora, burguesa e castradora. Essa também era a procura de Sério Fernandes, que, através do próprio filme cumpria a sua própria liberdade criativa, rompendo com o seu passado de enorme sucesso financeiro como realizador de filmes publicitários. Os sete freaks não se reveem nas tradições culturais do Porto, adotam o rock e a marginalidade como a sua cultura e sentido de vida. Os partidos políticos não entram nas suas agendas. O Chico Fininho não gosta de tripas à moda do Porto e o futebol não lhe diz nada, responde ele em entrevista ao jornalista Luis Pereira de Sousa, enquanto caminha na Rua de Santa Catarina. Não tem dinheiro, mas isso não é impeditivo de viver o seu dia-a-dia, mesmo que pela alienação e com a ajuda dos seus amigos ou dos seus “esquemas”. Se isto tudo não é uma afirmação de rebeldia no pós-25 de Abril, arranjem uma melhor.
O filme é completamente musical, com algumas das bandas de grande sucesso da altura, como os Táxi, Rui Veloso Oficial, ou os Salada de Frutas, outras nem tanto (como os Pizo Lizo ou Tantra) e até com espaço para uma banda de garagem que procurava a sua sorte, percebendo-se nesta a distância musical que ainda tinha a nível de maior competência com as mais famosas. Alguns dos temas são completamente emblemáticos de alguma da ação dos personagens… é o caso de Cavalos de Corrida dos UHF, durante a dança desenfreada na pista do Iodo, onde Chico Fininho, juntamente com o resto do grupo, “arrebenta”, depois de muito álcool e speeds.
A discoteca Iodo é emblemática em todos os quadrantes, pois num ambiente de descontração e diversão geral, juntam-se dois Portos, o endinheirado que bebe champanhe, e o que não tem dinheiro e que bebe cerveja e tenta de forma imediata alienar-se, tomando os speeds que o dealer oferece. A dança representa a fúria de viver desesperadamente e em fúria, até que nada mais exista e que a dor existencial desapareça.
O Chico Fininho é um filme rock’n’roll sobre o Porto, que urge ser recuperado pelas novas gerações que se interessam por este tipo de cultura. Porque passaram já 37 anos desde a sua realização e hoje já se pode analisar com maior esclarecimento toda a temática que o filme revela, sem grandes problemáticas. O filme é, indubitavelmente, uma pérola rock’n’roll da nossa cinematografia, e por isso deve ser acarinhada. Revela-nos um Porto que já não existe, desde as ruas completamente esburacadas, aos seus elétricos, a um povo hesitante entre o apelo do voltar ao 24 de Abril e do aceno da Europa da CEE, a um Shopping Center Brasilia - Associação de Comerciantes que era o orgulho da cidade. Até reconheci no filme o pica-bilhetes com que tantas vezes, eu também, me fazia de parvo, com mais alguns, para não pagar, quando saía do liceu. É um filme que apela à nossa memória coletiva com alguma saudade, para quem viveu aqueles anos 80 enquanto adolescente. Esta era uma película que andava há pelo menos 25 anos para a ver. Nunca consegui ter acesso ao seu visionamento (nem na net), o que me aguçava mais o interesse por ser algo (quase) inacessível.
Graças ao Porto/Post/Doc essa missão está finalmente cumprida. Mais um registo glorioso (este glorioso é à Porto), que acrescento ao meu percurso na longa estrada do rock’n’roll.




Good morning with The Rockaways, our Middle of the Week Song, from @ Conor Oberst's No One Changes / The Rockaways 7". Have a nice day.

Monday 26 November 2018

Ainda Tenho um Sonho ou Dois - A Historia Dos Pop Dell'Art, Nuno Galopim & Nuno Duarte, 2018, PT, 54’ – Porto/Post/Doc – Transmission, 10pm - Passos Manuel, Porto, 24.11.2018.



Ainda Tenho um Sonho ou Dois - A Historia Dos Pop Dell'Art, Nuno Galopim & Nuno Duarte, 2018, PT, 54’ – Porto/Post/Doc – Transmission, 10pm - Passos Manuel, Porto, 24.11.2018.

words: Guilherme Lucas (freely translated by Raquel Pinheiro ); photos: Guilherme Lucas
Last Saturday the documentary film directed by Nuno Duarte (Jel) about Lisboa’s band Pop Dell'Arte was presented at Passos Manuel as part of Porto / Post / Doc film festival that is taking place in the city. It is called Ainda Tenho Um Sonho ou Dois - A Historia Dos Pop Dell'Art.

This documentary follows a linear narrative based on the retrieval of both video and photographic archival material about the band that together with several statements of many of the musicians who were part of the band - and of those who are presently - in it allow for a good understanding of the various events that have taken place within the group. Even the testimonies of two well-known journalists, who in the 1980s and 1990s "owned it all" when it comes to music critics seem to be a sort of politically correct validation of the undeniable musical relevance of the band.

Technically it is very good when it comes to photography as well as sound with an impeccable musical selection that represents well the band’s most fundamental discography. It has seriousness, transgression, madness, good-humored moments, but also heavy silences in which is possible to guess the pain behind.

It is not a movie that that offers great content surprises about the band's history (at least to me, that knows it well), it fulfills the task of providing a rigorous chronological and musical framework of their career from its inception until now. This is, in fact, its greatest asset, from the journalistic point of view, and the factual framing of several of the group’s most important moments, presents a great ascertainment, in that regard its excellent public service, both to the band, to all those curious who wish to know this Lisboa collective more deeply as well as the relevance of their music. I dare say it is the kind of documentary that any group would like to have as a "business card" of their musical career.

There are some deductions the film elicits in me. One of them is that Pop Dell'Arte are João Peste, their charismatic vocalist. All the group’s songs are always more crystallized in his poetic aura and voice, well beyond the music itself and that transcends all the different musicians that took part over the years ... and they have been many, some more influential than others. If the creativity of the musicians is undeniable and fundamental, the contribution of their vocalist is always immeasurably bigger. That is how I put this question in a simple way. There is a remarkable moment that reinforces my appreciation, taken from an archive interview of a few years ago, in which João Peste says he would like his songs never to be forgotten; that he can be forgotten, but not his songs.

Interestingly, João Peste, did not record a single video testimony for the documentary; only his voice-over is heard at the same time images of him in different situations are showed.

João Peste was also one of the most important independent editors in the history of rock and alternative music in Portugal, through his label Ama Romanta that during its golden years, presented much of the more fundamental music that 1980’s -90’s Portugal could aim for within its avant-garde, with a very varied focus on different sound typologies, and in that sense, he was a pioneer musician. The most iconic record of this diversity is 1986’s double LP Divergências, a historical record. The documentary favours the opening theme of side 2 of the first disc of the compilation, an interview that the musician made to the late sociologist Paquete de Oliveira, with a sound background of his own. Let's face it, there is justice in that approach. Unlike almost all the bands involved in that work, that with time become inevitably outdated sound wise, this interview, and its content, is extremely current in 2018, and somewhat prophetic even when it comes to the advent of the new fascism (s) in reference to the threat of the new cultural dictatorships.

It is also noticed that Pop Dell'Arte have always been a band in systematic convulsions, possibly a little to the taste of the diverse wishes, life stages and moods of its leader. It is also observed that the only founding instrumentalist musician who has always been there - and continues to be, with an undisputed organizing, motivational, and even humorous and fun relevance – is Zé Pedro Moura the band’s bass player. It is in his several statements that there is greater substance and determinant information to understand much of what Pop Dell'Arte are. It is also in him that lies the courage, like a redemptive daring, something that João Peste does not allow himself to, openly talking about divisive issues that have painfully devastated each of their lives, such as abusive drug use, when he says " we were smart guys and we would not become addicted. However the truth is that we did. " There is also a lot of wisdom, and a deep knowledge of the most fundamental thing that has been done, and continues to be done in the country when music wise, when he states that the poem that titles the song O Amor... é um Gajo Estranho (Love … is a Strange Guy) is the best and biggest ever of a Portuguese band. Whether or not one agrees, the difficulty of contesting such an assertion is unquestionable. The poem is, in fact, colossal.

By way of conclusion, I will say that this is unequivocally an important documentary to be seen by all music lovers in general in order to better understand part of the history of Portugal ‘s alternative music during the last decades.

At the end of the screening the festival's organizers informed the audience that they were still counting João Peste and Zé Pedro Moura presence for a brief Q&A with the audience. While waiting for it to happen, talk about Pop Dell'Arte, happened and Becas the person in charge of Passos Manuel had a doubt for years; he would like to know how many musicians Pop Dell'Arte have had in all those years. Between speculation and scattered stories from some of the band's concerts in the late Aniki-Bobó in the 1980’ss, information came that the musicians were not available for the Q&A. The session was adjourned.

In an informal talk with Zé Pedro Moura and João Peste I learned that both hadn’t yet seen the documentary, showing some displeasure that the producer had not contacted them previously for the purpose, hence why it did not made publicly comment on something that they still did not knew.
The two musicians performed DJ-sets throughout the rest of the night and dawn in a very lively Passos Manuel.




Texto e fotos: Guilherme Lucas

No passado sábado foi exibido no Passos Manuel, no âmbito do festival de cinema Porto/Post/Doc a decorrer na cidade, o filme documentário, da autoria do realizador Nuno Duarte (Jel), sobre a banda lisboeta Pop Dell'Arte, com o título de Ainda Tenho Um Sonho ou Dois.

Este documentário segue uma linha narrativa baseada na recuperação de material de arquivo sobre a banda, tanto vídeo como fotográfico, e que conjuntamente com os diversos depoimentos de muitos dos músicos que passaram - e dos que estão presentemente - no grupo, remetem para uma boa compreensão dos diversos acontecimentos que foram ocorrendo no seu seio. Mesmo os depoimentos de dois conhecidos jornalistas, que, nos anos 80-90, eram os “donos disto tudo” a nível de crítica musical, dão como que uma espécie de validação politicamente correta, à inegável importância musical da banda.

Tecnicamente apresenta-se muito bom a nível de imagem fotográfica, igualmente a nível de sonoplastia e com uma seleção musical impecável e bem representativa do mais fundamental da discografia do grupo. Há nele seriedade, transgressão, loucura, momentos bem-humorados, mas igualmente silêncios pesados em que se adivinha a dor por detrás.

Não sendo um filme com um conteúdo que ofereça surpresas de maior sobre o historial da banda, (pelo menos para mim, que a conheço bem), cumpre primorosamente a função de oferecer um rigoroso enquadramento cronológico e musical da sua carreira, desde a sua génese até à atualidade. Esse é, aliás, o seu maior trunfo, que do ponto de vista jornalístico, e de enquadramento factual dos diversos momentos mais preponderantes do grupo, exibe um grande apuro, e nesse sentido, presta um excelente serviço público, tanto à banda, como a todos os curiosos que desejem conhecer com mais profundidade o coletivo lisboeta, bem como a importância da sua música. É o tipo de documentário que qualquer grupo gostaria de ter como “cartão de visita” da sua carreira musical, arrisco a afirmar.
Há algumas ilações que o filme me suscita. Uma delas é que os Pop Dell’Arte é o João Peste, o seu carismático vocalista. Todos os temas do grupo estão sempre mais cristalizados na sua aura poética e na sua voz, bem para além da música em si, e que transcende todos os seus diferentes músicos que intervieram ao longo dos anos… e que já foram muitos, uns mais influentes do que outros. Se a criatividade dos músicos é algo inegável e fundamental, a contribuição do seu vocalista é sempre incomensuravelmente maior, é assim que coloco esta questão, de forma simples. Há um momento marcante que reforça esta minha apreciação, retirado de uma entrevista de arquivo de há uns anos atrás, em que João Peste diz que gostaria que as suas músicas nunca fossem esquecidas no tempo; que se podiam esquecer dele, mas jamais das suas músicas.
Curiosamente, João Peste, não regista um único depoimento em vídeo para o documentário; apenas a sua voz-off é escutada, ao mesmo tempo que passam imagens suas em diversas situações.

João Peste foi também um dos mais importantes editores independentes na história do rock e da música alternativa em Portugal, através da sua editora Ama Romanta, que deu a conhecer, nos seus anos de ouro, muita da música mais fundamental que o Portugal dos anos 80-90 podia almejar dentro das suas vanguardas, com uma muito variada aposta em tipologias sonoras distintas, e nesse sentido, foi um músico pioneiro. O disco mais icónico desta diversidade é o duplo LP Divergências, de 1986, um registo histórico. O documentário privilegia o tema de abertura do lado 2 do primeiro disco dessa coletânea, uma entrevista que o músico fez ao falecido sociólogo Paquete de Oliveira, com um fundo sonoro da sua autoria. Há justiça nessa abordagem, convenhamos. Ao contrário de quase todas as bandas intervenientes nesse trabalho, que com o tempo ficaram inevitavelmente datadas a nível do seu som, a referida entrevista, e o seu teor, é extremamente atual em 2018, e algo profético até, quando se debruça sobre o advento do(s) novo(s) fascismo(s), em referência à ameaça das novas ditaduras culturais.

Percebe-se também que os Pop Dell’Arte sempre foi banda em sistemáticas convulsões, eventualmente um pouco ao sabor das diversas vontades, fases de vida e humores do seu líder. Constata-se também que o único músico instrumentista fundador, que sempre deu a cara – e que o continua a fazer, com uma incontornável importância organizadora, motivacional, e até bem-humorada e divertida – é o seu baixista, Ze Pedro Moura. É, nos seus variados depoimentos onde reside maior substância e informação preponderante para se entender muito do que são os Pop Dell’Arte. É também nele que há a coragem, qual ousadia redentora, algo a que João Peste não se consente, de falar abertamente de assuntos fraturantes que assolaram penosamente a vida de cada um deles, como é o caso do uso abusivo de drogas, quando diz “éramos uns tipos inteligentes e não nos deixaríamos ficar agarrados. Mas a verdade é que ficamos”. E há igualmente muita sabedoria, e um profundo conhecimento do mais fundamental que se fez, e se continua a fazer, a nível de música no país, quando afirma que o poema que dá título ao tema o Amor... é um Gajo Estranho ser o melhor e o maior de sempre de uma banda nacional. Quer se concorde, ou não, é inquestionável a dificuldade de contestar tal afirmação. O poema é, de facto, enorme.

Em jeito de conclusão, direi que, inequivocamente, este é um documentário importante para ser visionado por todos os amantes de música no geral, de forma a se entender melhor parte da história da música alternativa em Portugal das últimas décadas.

No final da exibição, a organização do festival, informou o público que estavam ainda a contar com a participação de João Peste e Zé Pedro Moura, para uma breve troca de impressões em formato de perguntas e respostas por parte de elementos da assistência aos músicos. Enquanto se aguardava esse momento, falou-se sobre os Pop Dell’Arte, sendo que Becas, o responsável pelo Passos Manuel tinha uma dúvida há anos; gostaria de saber quantos músicos os Pop Dell’Arte já tiveram nestes anos todos. Entre especulações e histórias esparsas de alguns concertos da banda no extinto Aniki-Bobó, nos anos 80, chegou a informação de que os músicos não estavam disponíveis para as perguntas-respostas. Deu-se por concluída a sessão.

Em conversa informal com Zé Pedro Moura e João Peste, soube que ambos ainda não viram o documentário, mostrando-se algo desagradados por a produtora não os ter contatado previamente para o efeito, daí a razão de não fazer sentido estar a comentar publicamente algo que ainda não conhecem.
Os dois músicos fizeram sessões de DJ-sets durante o resto da noite e madrugada, num Passos Manuel bem animado.